Aclaración previa a quienes intenten quejarse de la presunta bula que Foehn pueda tener aquí o en otras páginas. No es cierto. Simplemente el responsable –Marc-, al igual que hasta hace poco Jesús Llorente en Acuarela, se encarga de que su producto llegue a los oídos que le interesa para mejorar su difusión. El hecho de que algunos sintonicemos más con el catálogo de Foehn ya es cuestión de gustos.

Conocí a Marc el pasado fin de semana con motivo de una velada en el Apolo con la presencia de cinco de las bandas más interesantes de Foehn. Desgraciadamente a última hora fallaron Vànova debido a problemas de salud, siendo sustituidos por Diego Hernández, guitarrista de Keiko con inquietudes personales que no tenía previsto meterse en el fregado de defender solo con la guitarra –ante la escasa docena de personas que se encontraban allí a primera hora- un esbozo de “Small Songs”. Me gustó la última –dibujo Mark Eitzel- del lote.

Tras el set de Cherry, unanimidad en los comentarios: mejor en disco que en directo. Gran parte de la “culpa” la tiene “Jaula Con Vistas”, un excelente trabajo acercando –en clave patria- la electrónica a los sonidos caseros; algo parecido a Kieran Hebden. Predominó no obstante sobre la tarima el acercamiento a los linderos más musculosos de su estilo, apuntando al tribalismo de Za! y a la avalancha opulenta de Animal Collective. Tiene el problema común de este tipo de formaciones. Uno, al querer hacerlo todo –guitarra, percusión, teclados, loops, secuencias, efectos enlatados- está concentrado en demasiados botones como para conseguir exteriorizar sentimiento.

En cambio I Am Dive, a pesar de trajinar también con tecnología, comunican bastante más, seguramente gracias a la voz tan especial de Esteban Ruiz que, al acaparar la atención del público, deja tranquilo a José A. Pérez para operar sin presión. Y, justamente al contrario que Cherry, si su EP “Constellations” no acabó de impregnar, sobre el escenario llegan hasta el último rincón de la sala. Entre el cielo protector vocal tipo Mark Kozelek y los efectos electrónicos para guitarra evocando a Piano Magic, su próximo álbum se proyecta como una de las referencias más anheladas del 2012.

Las nuevas canciones de Marina Gallardo siguen moviéndose entre lo subyugante y lo inquietante, pero ahora parece haberse iniciado una etapa de maduración del sonido que, personalmente, pienso que le va a producir beneficios múltiples a todos los niveles. Es cambiar el acorde visceral por una red de complicidades entre músicos donde cada nota, por exigua que sea, contribuye a sostener y fortalecer la telaraña.

Gran Amant, encargado(s) de poner punto final a la noche, desplegaron casi entero ese “El primer Disc” tan competitivo con desparpajo etílico. Más chicas de las habituales entre la audiencia. ¿Es un dato relevante? Pienso que sí. Un álbum tan adaptable a los distintos vaivenes del mercado –comercial, humano, pillo- puede erigirse como caballo de batalla de la discográfica si quiere pujar por una plaza al lado de Manel. Desacomplejados. Y con ciertos tics como instrumentistas para aspirar a convertirse en banda municipal de cada pueblo de los países de lengua catalana.

Ya estaban ahí antes de que el pop cristiano se acabase convirtiendo en una etiqueta tan oportunista o reduccionista (le pasa a cualquiera que se nos ocurra) como descriptiva de una forma muy concreta de entender determinadas posturas vitales a través de las canciones. Apoyándose primero -e indisimuladamente- en 10.000 Maniacs como arquetipo (sobre todo en la última reencarnación de la era Merchant, tanto en la logística como en sus ya por entonces acusados tics mainstream) y tratando de sortear después una adversa comparación respecto a los por entonces mediáticos The Sundays -por su correspondiente desventaja en el tiempo: el “Umbrella” (A&M, 1991) de los Innocence Mission, pese a tener cargar con el sambenito de disco a la sombra de “Reading, Writing and Arithmetic” (1990), noqueaba al de los británicos en el total de las partes-, no será hasta “Birds Of My Neighborhood” (1999) cuando tengamos la mejor y definitoria versión de los de Pensilvania. Desprendidos de los aspavientos rockistas que pudieran en mayor o menor medida haber arrastrado con el paso de los años –pienso también en “Glow” (1995)-, y afortunadamente centrados en el folk de sala de estar de cabaña de cuento, han acabado siendo ellos mismos sin tener que rendir cuentas con nadie.

Y de no haber sido en su día por la irrupción de Low, quién dice si a los hermanos Peris no les hubieran acabado ofrendando la responsabilidad de personificar para la masa indie ese sincretismo entre la armonía beatífica de las palabras y las formas contemporáneas de la canción popular. Quitémosles la estratagema slowcore de los de Duluth, pero recalquemos sus numerosos puntos en común –voces angelicales, himnos de recogimiento, discos navideños, baladas tan dulces como sobrecogedoras y una nutrida discografía que no parece tener fin-; pongámosles más reverberación cristalina y restémosles fogosidad instrumental y tendrán una versión aproximada de nuestros queridos protagonistas.

Para más inri, The Innocence Mission son puntualmente postergados de las listas anuales de la mayoría de medios, como así ha vuelto a ocurrir en el caso de “My Room In The Trees” (Badman Recording), y nunca sabremos muy bien si por abulia, despiste o por ese exceso de jactancia nominal que tan a menudo deja ver tan poco el bosque y se ceba con aquellos que no le rinden especial pleitesía a las tiranteces de la actualidad. Sea como sea, y dejando a un lado objeciones más o menos subjetivas, para el caso que nos ocupa merece la pena abordar la estela de la Vashti Bunyan menos espectral en “The Happy Mondays”, celebrar “God is love” bañándose en esos coros anochecidos que parecen enlazarlos secretamente con los Belle & Sebastian más bien post-noventa, sentir en la nuca el aliento de Carpenters o dejarse acariciar por esas letras de apariencia tan sencilla –henchidas de ingredientes que se muestran tal como son: otoños lluviosos, gratos paseos y una serenidad inquebrantable- sacadas de las notas de un hipotético diario que aleja los malos augurios de un plumazo. Capitaneados por otra Karen de rostro etéreo, siempre tan a juego con unas canciones en las que parece querer asomarse y reflejarse ad infinitum, cada año más puras y bonitas, a las cuales poder abrazarse sin una pizca de eso que algunos en algún momento hemos querido llamarle miedo. “Wherever you may be, whatever day this is”.

Riff. Un anglicismo –acunado gracias a un tema de Charlie Parker- que en el entorno blues-rock de hace cuarenta años se popularizó para designar secuencias de notas básicas que forman el esqueleto de algunas de las canciones más pegadizas del género. Lo primero que aprendía cualquier mocoso aspirante a guitarrista famoso. Normalmente son muy sencillos. Así, las notas con que empiezan “Smoke On The Water” (Deep Purple), “Roadhouse Blues” (The Doors), “Whole Lotta Love” (Led Zeppelin) y “I´m A Man” (original de The Spencer Davis Group reinventada por Chicago) son las mismas con tempos distintos. “Love Like A Man” (Ten Years After), “Paranoid” (Black Sabbath), “All Right Now” (Free), “Locomotive Breath” (Jethro Tull) o “Sunshine Of Your Love” (Cream) tampoco precisan un master: su fuerza radica en el júbilo de una sencillez machacona.

Lo que se pretende decir con el párrafo anterior es que “El Camino” (Nonesuch 2011) de The Black Keys es el álbum con más riffs pegadizos desde probablemente “Machine Head” (Deep Purple) o “Led Zeppelin II”. ¿Cómo pues un dúo de blues primario sucio ha conseguido, tras diez años de carrera, llegar hasta aquí? ¿Cómo han limpiado el sonido sin reblandecerlo? Volvamos la vista atrás en busca de respuestas.

Cuando Patrick Carney se mudó de Akron a Nueva York en 2008 para olvidar una traumática separación sentimental, toda su educación musical –su tío Ralph Carney tocaba el saxo con Tom Waits- empieza a cobrar sentido. Mientras, Dan Auerbach –pariente del fallecido gran guitarrista Robert Quine, que coincidió Ralph Carney en la grabación de “Rain Dogs”: he aquí la posible conexión iniciática de Black Keys- también opta por oxigenarse en Nashville. Por aquel entonces ambos ya habían comenzado su relación con Danger Mouse. Agitemos los referentes, añadamos una fijación por los ritmos prominentes entre 1970 y 1973 –los del glam rock no solo se incluyen, sino que destacan- y tendremos las claves de la fuerza emanante en su nuevo álbum. Lo dice Pat en Mojo: decidimos empezar muchas canciones con bajo y batería, solo eso.

“El Camino” irrumpe a lo grande. A lo muy grande. Como una manada de elefantes en estampida tras ver ganar a su equipo de fútbol. Es tan exultante el disparo inicial de “Lonely Boy” que cuesta pensar si el truco está en el ritmo, la guitarra o los coros empujando; o en el trote Gary Glitter-con-guitarra-Sweet de “Gold On The Ceiling”, en las palmas y en el solo de guitarra. Supongo que tendrá que ver con el proyecto Blackroc y con la sabiduría de Danger Mouse aplicando recursos de soul –“Sister”- para inyectar dinamismo en la composición. Y aunque mantengan la puerta de atrás abierta a su pasado y a sus fieles para que la traspasen –“Money Maker”-, ahora reivindican un abanico más amplio de recursos –será porque, al conocer a Robert Plant, han absorbido su manera de encarar el folk en “Little Black Submarines”-, siempre que no comprometan esa musculatura ganada tan impresionante.

“A Solitary Man” (Jonathan Jeremiah). Como un Jonathan Wilson atlántico en clave multinacional. Orquestación en cinemascope apuntando a las mismas fechas desde una perspectiva no tan distinta. Cuando no ejerce de Tom Jones se acerca bastante al tipo de recuerdos que me gusta tener de una tarde de finales de 1968. Desde Galveston o Wichita (por lo de lineman) a El Prat, soñando con ver aterrizar aviones de Pan Am, o de cuando British Airways aún se dividía en BOAC y BEA. Sigo sin poder describir el complejo que me impidió incluirlo en la lista grande. Excelso. Más información en este post.

“Bad Penny” (Spectrals). La instrumentación no ha mejorado. Sigue algo torpe, lo cual en cierto modo contribuye a realzar lo añejo pues el halo ambiental consigue traspasar al oyente. Echarle en cara la poca musculatura en la composición, porque no llega a los niveles de Richard Hawley o The Last Shadow Puppets, tal vez sea cagarla: apostaría a que Louis Jones tiene ambiciones ocultas que no pasan por este carril. Se le ve a menudo enfundado en una camiseta del Barça.

“Miles Kane” (Miles Kane). Ya que hablamos de The Last Shadow Puppets, no apunta a través de la entrada –“Come Closer”- intenciones de buscar la misma pátina que junto a Alex Turner. El retrovisor sin embargo se ha instalado algo más cerca, buscando una mayor apertura de ángulo para captar épocas diversas: “My Fantasy” es puro T.Rex, mientras “Inhaler” y “Telepathy” destilan groove, quedando solo “Rearrange” y “Take The Night From Me” como botones de sus andaduras pasadas junto al cabecilla de Arctic Monkeys.

“Street Of The Love Of Days” (Amor De Días). Jefe de The Clientele se asocia con la voz femenina de Lupe Núñez-Fernández, grabando parte del álbum en Madrid. La veta nostálgica de Alasdair MacLean queda eclipsada por un tipo de fragilidad de distinta –aunque igualmente invernal- ensoñación. Cae alguna revisión, como la de “Harvest Time”.

“Cape Dory” (Tennis). Brill Building sin coartada. Sin aportaciones al mundo mundial de la música. Sin siquiera una imagen sugerente (¿han visto portada peor este año?). Las canciones en cambio suenan a delicioso néctar de los siete mares, intrascendentes y felices. Viéndoles al atardecer, cerca de la playa en el Primavera Sound, me puse tontorrón gozando de la revelación del nacimiento del pop.

“Coracle” (Walls). Al igual que ocurre con The Field, no es tan elogiable el disco en sí –proposición continuista a fin de cuentas- como la constatación de la marca Kompakt como garantía de fiabilidad. Este compás compartido, ajeno a los distintos tipos de tecnología cuando llueven teclados, que sobrevive pieza tras pieza como si fuera imposible parar, reanudando su pálpito contra cualquier obstáculo. Optimismo camuflado en los vaivenes. Respirando. Sobreviviendo.

“Eye Contact” (Gang Gang Dance). Arranco a partir del epílogo del post dedicado al álbum. Cosmología y cibernética multiétnica. “Glass Jarr” es la música que se escucharía en la cápsula orbitando alrededor de nuestro planeta en el 2011, mientras lo escrutamos a través de las lentes del catalejo ancestral. Surcamos estelas que apuntan a África, a los Balcanes, a los clubs neoyorkinos o al infinito. Desde la inmensa lejanía todo se ve más uniforme.

“Replica” (Oneohtrix Point Never). Arquitectura sonora de variada índole, cogiendo de aquí y de allá. A la anterior estructura de hierro y hormigón ahora le ha añadido los ladrillos de obra vista: puzzles robóticos, paisajes oníricos, pianos tranquilos desvelando cascadas de texturas de brocha gorda. Mucho más digerible y variado que su predecesor o que el trabajo de Ford & Lopatin. Más en este resumen.

“Black Up” (Shabazz Palaces). Después de Burial vino Flying Lotus abriendo el abanico: de la oscuridad del nicho a los destellos del universo. Entre los dos conceptos de luminosidad se ubica Shabazz Palaces que, bien mirado, en determinados tramos guarda un parecido con las formas de Massive Attack. Veinte años después.

“Passed Me By/ We Stay Together” (Andy Stott). Como escuchar los latidos del corazón con una escafandra a varios metros de profundidad bajo el mar de mercurio. Una viñeta distinta a la que propone Estabiel, queriendo decir lo mismo. Todo, aunque en dos entregas, deviene acústicamente irreal. Relativo. Como si lo que pasase ahí arriba, o afuera, en el espacio exterior habitado, no fuese enteramente contigo. El ruido amortiguado. Los sensores, los golpes, los zumbidos, las disfunciones. Todo.

“Nostalgia, Ultra” (Frank Ocean). No pensaba ponerlo, debido a su gestación como mixtape –algún día habrá que debatir los límites del término- pero subyace la atracción rebelde del autor, que lo colgó en la red ante los mareos de perdiz de la discográfica. Para unos será su primer álbum el que publique en primavera; para otros era ya éste. Dentro se aprecia la capa accesible sobre la que asienta un R&B con pretensiones de interactuar –cantar sobre la canción “Hotel California” enterita, o los guiños a MGMT y a Coldplay- con los blancos. Más en este resumen.

“On A Mission” (Katy B). La nueva musa británica del dubstep, la que debería hacer posible –en principio- la comunión entre los postulados inquietos del género y su aceptación en las FMs. Más información en este post.

“Azari & III” (Azari & III). Entre el dubstep y el house hay más conexiones de las aparentes. Se palpan en la cápsula de vacío creada por el retumbar de bajos y percusiones: hedonismo y abandono circunvalando las pistas de baile de Toronto. La alusión en el post de Katy B al paralelismo de sentimientos provocado por bandas como Electribe 101 es aplicable también aquí, solo que algunos matices, como la entrada de teclado sobre percusión de “Hungry For Love”, llevan el runrún trepidante de “Good Life” de Inner City. Palabras mayores recuperando el house; si es que alguna vez se fue.

“Sets & Lights” (Xeno & Oaklander). No tiene las subidas del trance, pero a esta pareja de Brooklyn le gusta rellenar su carcasa cold wave –ola fría, etiqueta apropiada- con teclados lustrosos, deslizándose por la estela sideral que dejan reflejadas sobre el asfalto mojado las luces de los neones de la ciudad.

“Undun” (The Roots). Aunque insistan en el flujo aterciopelado, la trama conceptual –que se está convirtiendo en algo recurrente en el hip hop: Kanye West, Janelle Monáe-, le resta inmediatez respecto al álbum anterior. Aún así, el lado amable de The Roots –siempre con un buen estribillo al trasluz- sigue siendo un activo fantástico de cara a cambiar la opinión de quienes desprecian el género tachándolo de enervante. Más aquí.

“If…” (Bill Ryder-Jones). Cierto es que, desde que Deep Purple grabaron con una filarmónica hace cuarenta años, no ha lugar a extrañezas en colaboraciones de este tipo, pero yo al menos he quedado sorprendido –gratamente además- al escuchar lo que ha grabado el guitarrista de The Coral con la filarmónica de Liverpool inspirado en el libro trasgresor “Si una noche de invierno un viajero” de Italo Calvino. Porque, si lo que pretende es que un sujeto externo –tal que el oyente poniéndose en la piel de Bill si tuviese que lidiar con una orquesta- se sienta implicado en la trama a modo de protagonista, lo ha conseguido. Reflexivo y celestial a partes iguales.

“Get Lost” (Mark McGuire). ¿Son guitarras, teclados o ambos? Tampoco importa en exceso ante la exhibición desbordante de armonía de “Get Lost”. La secuencia que no se derrumba ante la amenaza invasora. Pónganle los obstáculos que quieran. Quien trabaja con acordes mayores no tiene más remedio que vencer. Solo así puede dibujar círculos, buceando en todo tipo de aguas, durante veinte minutos en una canción si hacerse pesado. La verdad, no esperaba este tipo de sensibilidad de Mark McGuire después de verle en directo con Emeralds. Más en este resumen.

“Telebossa” (Telebossa). La quietud, arma letal. Lo íntimo brasileño reconducido con cello y electrónica suavísima. La acuarela resultante, más que a Copacabana, lleva directamente al porche de la pousada en la pequeña playa tranquila durante la noche estrellada. Entre el sonido de las olas y el de los insectos. Aquí no hay carnaval, sino su eco a lo largo del resto del año, cuando las hordas parten, el ritmo queda lejos y lo que prima es el enamoramiento. Mejor expuesto en el resumen de Estabiel.

“The Magic Place” (Julianna Barwick). El lugar mágico. De la mano de los juegos vocales del ángel Barwick, se exploran todas las nubes que contonean nuestros sueños. No hay lugar para el olfato, la vista, el gusto o el tacto. Se piensa, luego se viaja. Hacia un lugar donde solo se accede pulsando la tecla beatífica, la que no transporta cuerpos. Acostumbrados como estamos a percibir almas vagando perdidas, por una vez las sentimos con un rumbo determinado aunque éste sea el infinito. The magic place. Más información en este post.

“Dropped Pianos” (Tim Hecker). La resaca de Ravedeath sin rango de álbum. Pianos que caen de azoteas. Notas en cascada. Lo repetitivo en flotación. El manual de ECM llevado a la electrónica. El aislamiento, o lo que se siente cuando vemos desaparecer lentamente una figura en el horizonte. La tristeza, que es lo que sentimos al saber que la figura es de una persona que conocemos y estimamos. Y la desolación, cuando presentimos que jamás regresará.

“Last Day Of Summer” (White Denim). Si no es porque se podía descargar en internet desde hace más de un año –se distribuye físicamente ahora-, lo hubiera incluido entre mis 20 favoritos. El álbum que en estos momentos me tiene abducido. Positivamente conmocionado. Sigo sin acabar de entender, pese a la notable evolución de “D” respecto a aquel primerizo “Workout Holiday”, lo que les pasó en la cabeza a finales de verano del 2010 para sacar del estudio algo así. Post en preparación.

“The Gathering” (Arbouretum). Su perspectiva del blues pasa por la densidad prog que cuatro décadas atrás empezaron a aplicar bandas blancas a partir de Cream. Desarrollos largos y electricidad acotada: ellos terminan en los límites donde empiezan Dinosaur Jr. Son algo más que americana. Más información en este post.

“Katang” (Zun Zun Egui). Juntemos sílabas para encontrar el apellido familiar de dos futbolistas. Cecilio Zunzunegui no triunfó en el Barça como el gallego Fernando Zunzunegui en el Real Madrid, pero los culés agradecen que un gol en propia puerta del defensa blanco les diera la victoria en la final de copa de 1968. ¿Tendrá que ver con alguno de ellos la elección del nombre por parte del colectivo de Bristol, al igual que la de The Delgados en su día? Lo suyo es art-rock histérico con mucho colorido –desde la portada-, como Za! por esa influencia africana –aunque menos tribalistas y agresivos: está más en las guitarras y los ritmos que en las percusiones- cuyo disimulo institucionalizaran –“Katang”- Talking heads hace treinta años. Exultantes, divertidos y catárticos.

“Afro Noise 1” (Cut Hands). De Whitehouse a afronoise. William Bennett incorpora sus estudios de vudú al ruidismo. Ahora ya no se trata de lo industrial urbano occidental: la mirada hacia una instrumentación primaria –básicamente percusión: bidones, cajas, cascabeles- nos lleva a los suburbios menos iluminados de las megápolis negras, sean Abidjan, Lagos o Johanesburgo –para entenderlo, prueba aterrizar de noche en una de ellas- con un abanico que va de los tramos duros –“Munkisi Munkondi”, “Ezili Freda”- a los más digeribles –“Backlash” podría pasar por los Cabaret Voltaire de 1981- e incluso –“Impassion”- a lo cimbreante. En cualquier caso una pedrada contundente. O cuando la tierra roja se come el asfalto en los arrabales.

“Watered Lawn” (Raleigh Moncrief). De disonancias y consonancias. Lo cacofónico y lo armónico en superposición. En un tramo de la canción lo primero domina, y en la segunda es dominado. Cuando convergen se adivina la intencionalidad. Si no entiendes lo de maltratar una melodía perfecta –¿para conseguir qué?-, aquí se esbozan posibles respuestas. Es un poco como el collage de Animal Collective hace diez años, lleno de sorpresas que, aún sin venir a colación, seguían siendo sorpresas. Jugando con la mística y la impostura. Jugando a jugar también se inventan cosas. Acabas enganchado.

Van detrás lógicamente de Fleet Foxes, Bon Iver, etc.

“Megafaun” (Megafaun). Hace pocos días se publicó este post, así que no hace falta párrafo para refrescar memorias.

“Nothing Is Wrong” (Dawes). La conexión Dawes-Jonathan Wilson-Jackson Browne rebosando languidez angelina: lo carpetovetónico aquí cobra sentido gracias a esas resonancias –las voces- tan especiales. Más información en este post.

“The King Is Dead” (The Decemberists). El primer gran disco de americana publicado en 2011 llegó pronto para arrullarnos el invierno pasado. Con su portada de amarillo azufre y sus vibraciones positivas, recordó en muchos pasajes a Bob Dylan –“Don´t Carry It All”-, en otros a los Byrds deudores de Dylan –“January Hymn”- y en algunos –“Calamity Song”- a The Band cuando acompañaban a Dylan. Con desparpajo –directos, humildes, eufóricos-, absteniéndose de pretensiones temporales. Todo lo más alguna similitud con R.E.M –colabora Peter Buck- en piezas como “Down By The Water” para atemperar el predominio acústico –armónica incluida- del núcleo. “June Hymn” es una de mis canciones preferidas del año.

“The Sound Of Everything” (Thousands). No podía dejar de lado este festín de acústicas cristalinas que empuja a un estado de ensoñación privilegiado. Incluso lo aprecio más ahora con el frío, añorando el buen tiempo. Y que a nadie se le ocurra despertarme mientras escucho “Everything Turned Upside Down” al otro lado de lo tangible. Más información en este post.

“Field Songs” (William Elliott Whitmore). Guitarra –a veces banjo- a palo seco, voz con la aspereza de gargantas por las que han pasado muchos litros de bourbon, y un currículo de carreteras polvorientas locales. Lo de William es tan desnudo que carece de harapos para que se le atisben las costuras. Te gusta o no, sin términos medios ni arreglos para agradar. Con una entrada de pajarillos para justificar el título campestre. Ganaría como banda sonora de una película revisando la Gran Depresión.

“Euphoric Heartbreak” (Glasvegas). La épica escocesa llevada al pentagrama del rock. Glasvegas irrumpen siempre al límite. Sin tanto himno instantáneo como el debut, mantienen no obstante –“You”, “Whatever Hurts You Through The Night”, “I Feel Wrong”, “Lots Sometimes”- un promedio envidiable. Subiendo el volumen, en el polo opuesto a la austeridad de unos The National: más grandes que U2, The Jesus And Mary Chain y Meat Loaf juntos. Respiren hondo y ensanchen sus corazones valerosos: euforia, coge mi mano.

“Telepathic” (L´Altra). Siempre me han gustado. Consiguen suspender con arpegios un tema a la altura precisa para que los demás instrumentos floten ingrávidos. Con cuerdas y guitarra llorona, si es necesario, atrapando resonancias, abrigándose entre burbujas líquidas ajenas a espacio y tiempo, de una plasticidad nacida de combinar Early Day Miners con Yann Tiersen.

“Celebration, Florida” (The Felice Brothers). Pocas canciones tiene donde agarrarse aquí el fan del grupo. Y poco apropiados tanto el tono amoratado como el motivo de la portada, aunque quizás reveladores de las incorporaciones electrónicas dejando en un segundo plano a las guitarras (cualquiera diría que “Container Ship” está firmada por ellos). Más barrocos –a veces incluso feriantes: acordeón y vientos en “Honda Civic”- y menos previsibles, hay que aplaudirles por el mero golpe de timón drástico –con pros y cons: el desenlace de “Ponzi” echará para atrás a los fieles-, y esperar al próximo trabajo para apreciar si éste ha sido decisivo e irreversible. Me quedo con lo acústico sin percusiones aparatosas, tanto si es con piano y orquesta –“Oliver Stone”- como si es –“Dallas”- con guitarra.

“Invitation” (Dominant Legs). Con quince años yo también formaba parte de un grupo. Llegamos a tocar un par de conciertos y teníamos cuatro buenas canciones. No prosperamos –seguramente porque éramos mediocres-, pero siempre me ha quedado la sensación de que aquellas cuatro piezas hubieran conformado un gran EP. Con ello pretendo decir que, aunque se pueda valorar a una banda por un solo EP, no es escalera tan sólida como un álbum para elevar a alguien a los altares. Una vez desinflada la burbuja, el de Dominant Legs es un debut correcto. Eso sí, los más aventurados que por favor sigan valorando enseguida sin miedo a errar el tiro: de ellos nos nutrimos los de segunda línea.

“Mine Is Yours” (Cold War Kids). Pequeña decepción, aunque nunca al nivel de desastre que pregonan en otros medios. Yo lo veo más como un problema con solución. Estos chicos a nivel sonido han llegado lejos. Llenan con pocos instrumentos, tapando todas las rendijas hasta coronar cimas inalcanzables. Cada canción de este tercer álbum es un hit potencial. ¿Qué falla pues para que “Louder Than Ever”, “Royal Blue” o “Bulldozer” no lo sean? Pues algo en la manera de componer –algo que fluía en aquel más espartano “Robbers & Cowards” y que aquí no fluye- desafiando la lógica melódica. Agarran una buena secuencia, montan el texto bien cantado, el estribillo con gancho, y de pronto dejan caer un par de acordes que desmantelan la magia de la pieza.

“Wild Flag” (Wild Flag). Dejando a un lado la manía del mercado machista de promocionar los grupos de mujeres como supergrupos y/o discípulos de las riot grrrls, duele constatar que aquéllas siguen sobresaliendo en estilos limitados: reinas del pop, cantantes de folk de alcoba o luchadoras femeninas escupiendo música fiera. Pocos términos medios, aunque por otro lado también se ha de recalcar la cada vez mayor presencia de grupos mixtos. Wild Flag siguen la flecha marcada por Hole y Sleater-Kinney, con las guitarras afiladas proyectando una energía de brutalidad controlada, magnética y veloz –el zumbido de “Short Version” se pega cosa mala-, capaz de acabar una pieza de modo distendido –“Glass tambourine”- pero también de enrocarse –“Racehorse”- en una cerrazón contagiosa.

“Portamento” (The Drums). Después de un magnífico EP y un buen álbum continuista apuntando un estilo propio –cruce entre la cosmología Smiths y la dinámica Beach Boys sobre ritmos de hace medio siglo: la utopía de escuchar a Link Wray haciendo música chicle-, es la hora de rubricarlo en el segundo largo. Siguen las canciones insidiosas fáciles, la mayoría poco evolucionadas –excepciones hay, como “Searching For Heaven”, pero no agarran más allá del tema de la muerte-, interpretadas con ropa casual de marca, peinados de sexualidad ambigua, y el punto de mira puesto en la cruz colgada sobre el papel de flores de la pared. Su reluctancia a la hora de cambiar ese piñón fijo que tienen como patrón les resta –y restará más de continuar así- puntos.

“Nine Types Of Lights” (TV On The Radio). Precisión quirúrgica en el ritmo, un suave reflujo de funk sobre arreglos industriales: lo de Dave Sitek, Kyp Malone y resto de la troupe tiene algo de aquellos híbridos lejanos (no me atrevo a comparar su parsimonia con las bestiadas de Living Colour, aunque sí con la cadencia de Pigeonhed). Cada álbum parece más logrado que el anterior –mejorar “Dear Science” puntúa-, solo que éste trae consigo un mal recuerdo: la muerte del bajista Gerard Smith. En el futuro se apreciará mejor el ninguneo sufrido por esta banda en Europa.

“Again Into Eyes” (S.C.U.M). La comparación con The Horrors –a quienes les unen lazos familiares- puede servir a los novatos, pero los más bregados entenderán mejor la de aquellos Simple Minds de “Empires And Dance”. Tan capaces de sacar los carros de combate –“Faith Unfolds”, “Whitechapel”- para desfilar por las metrópolis conquistadas como de moldear baladones apocalípticos –“Paris”- desde la suavidad.

“Factorycraft” (Found). Es de esos discos que pondría en listas para desmarcarme (y, vital para la vanidad, porque nadie más lo ha puesto): Escocia, Chemikal Underground y Mogwai con una cucharadita de Talking Heads semitensos, y desviaciones varias –adorable el toque Phil Spector de la entrada de “Machine Age Dancing” antes de pasar a la letargia de Hot Chip y Metronomy- como prueba de lo entretenido que podría ser si solamente presentase algo más de músculo. No les pienso perder la pista.

“Paradise” (Slow Club). Pareja con un primer álbum firmemente asentado en el formato de folk clásico con textos vigentes, procura desencasillarse con el segundo. Ella toma el mando vocal mientras él se refugia en la guitarra eléctrica. Curiosa mutación sin hipotecar la parte esencial de su talento; la que pasa por encima de cualquier arreglo imaginativo: la canción como vehículo secular de lo que se narra. Dylan puede contarte un cuento. Simon & Garfunkel o Lydia Lunch también, por poner ejemplos extremos (que no vienen a cuento de gente que cuenta cuentos: me estoy liando). Por no confundir más al personal –o sí-, solo decir que antes estaban cerca de Peter Paul & Mary y ahora pudieran estarlo de Feist. Paso adelante atrevido.

“Widowspeak” (Widowspeak). Demasiado deudora la voz de Molly Hamilton de la de Hope Sandoval de Mazzy Star, a medida que el álbum avanza se empiezan a desvelar matices personales: un sonido no tan narcótico sedado sino más bien basculando entre lo seco de The Gun Club y el lujo dramático de las bandas de mujeres de 4AD.

“Hearts” (I Break Horses). Recogen las distintas metodologías escandinavas, con esos guiños –muchos- al fuzz de The Radio Dept y subidas suntuosas como las de Efterklang, siempre cerca de la saturación shoegaze. Pero tienen un problema similar al denunciado hace unos días en un post de Lanterns On The Lake (también pupilos de Bella Union). Sus temas, por muy bonitos que sean, desembocan en el pozo de lo estéticamente previsible –todo casa sin asombrar, nada cruje y nada excita-, desde el cual es muy difícil trepar para salir si no se recurre a lo insólito.

“Lupercalia” (Patrick Wolf). De joven músico con proyección, que en el primer álbum coqueteaba con una especie de blues adaptado a la teatralidad británica del violín, hemos llegado a un quinto enfocado al pop tal como lo diseñaron Pulp –pasión vocal, arreglos en espiral ascendente- con un plus de amaneramiento. Lejos de Owen Pallett y relativamente cerca –si sigue por esta vía- de encontrar el hit que tanto parece ansiar. Una advertencia: la calidad no es directamente proporcional a los méritos que precisa una canción de éxito. Existe algo –llámalo duende, magia: nada que un cambio de orientación sexual pueda aportar- de lo que aquí carecen las composiciones de Patrick.

“Wounded Rhymes” (Lykke Li). La recuperación de postales del pasado –“Love Out Of Lust”, “Unrequited Love”, Sadness Is A Blessing”-, un síntoma recurrente de los tiempos en la meseta creativa occidental, o cuando disfrazamos el pop consumista de toda la vida para hacerlo pasar por tendencia. Quizás Lykke Li tenga más recursos escondidos –indie, folk, gótico, dance- entre estas diez piezas para poder encarar sin cadenas el futuro, pero aquí parece un anuncio en los mentideros: si busca una estrella sueca, cool y pop, yo soy su chica.