Categoría: Viajes

Hace unas semanas visité unos cuantos lugares de Indonesia que se han llenado de nómadas digitales que procuran combinar teletrabajo en un supuesto `paraíso´ exótico con las comodidades de moda. En Canggu, Bingin y Uluwatu en Bali, en Gili Trawangan, Gili Air y Kuta en Lombok han florecido restaurantes con healthy food, cafeterías coquetonas, centros de masajes y gimnasios entre cocoteros, y ya están padeciendo –tráfico, polución- las consecuencias de este turismo que despersonaliza –tanto cultural como ecológicamente- estos otrora santuarios casi hippies.

Entre el nombre de la banda, Telehealth, y el del segundo disco “Green World Image” (Sub Pop 2026), puede intuirse, sin moverse de su entorno de Seattle, el mensaje subliminal de su música tratada con una mezcla de electricidad, punk, electrónica plebeya, acritud y sarcasmo –se les describe como una mezcla entre The B-52´s y Devo, aunque yo añadiría no wave, Talking Heads (“The Telehealth Shuffle”) y Franz Ferdinand- con entusiasmo bailable. Un sonido retrofuturista a veces con el pulso seco de LCD Soundsystem (“Kokomo 2”, “Living, Laughing, Loving, Trying”), otras veces más ágil y estruendoso –un tramo de “Donor Country (A gOoD cAuSe)” recuerda a “That´s Not My Name” de The Ting Tings-, sin esquivar la velocidad frenética de los tecnócratas urbanitas –los que no han tenido la oportunidad de desestresarse en un beach club balinés- ahora adictos a nuevas cafeterías trendies donde se toma café de pie (y sin azúcar). Muchas canciones supurando arrebato, algunas elocuentes (“Cool Job”) y ni una sola concediendo una pausa entre tanta adrenalina. Urbanos, insumisos, estilizados y producidos por Trevor Spencer, servirán como banda sonora de cualquier fiesta en oficinas de Silicon Valley.

Recupero una anécdota personal y no del todo fiable que expuse en la introducción a una entrevista con Lambchop para Factory hace ya treinta años –y tal vez en alguna otra ocasión-, cuando, estando en una choza de L´Amour Bungalows en la playa de Benaulim en Goa, India, saqué mis pequeños altavoces a la terraza para escuchar a Kurt Wagner, y al poco rato un chico alto anglosajón apareció en la terraza de al lado con una guitarra acústica para interpretar una versión impecable de “High & Dry” de Radiohead, por aquel entonces recién publicada. Semanas después me enteré que por aquellas fechas Ed O´Brien estaba vacacionando en India, así que me arrepiento muchísimo de no haber entablado conversación con aquel mocetón entonces.

Poco se habla de la aportación de O´Brien a Radiohead, de modo que su álbum “Blue Morpho” (Transgressive 2026) puede aportar información clarificadora. De hecho, casi toda la grabación filtra la esencia de los principios básicos de la banda desde una perspectiva pragmática y reduccionista. No sabría decir si es la manzana que cae bajo el manzano, o él es parte vital del tronco, pero el estilo es inmediatamente reconocible –la estructura, la construcción de las melodías- sin radicalizarse a ciertos extremos propugnados por Thom Yorke, Jonny Greenwood o incluso Phil Selway. La profundidad del comienzo acústico de “Incantations”, el tema titular –más pastoral y litúrgico- y la utilización de sonidos orquestados en “Sweet Pot”, sientan las bases, pudiendo constatarse un sentimiento más paisajista y ensoñador que el habitual en “Solfeggio”, rozando el ambient en “Thin Places”, mientras busca el contraste con algo de funk en “Teachers”. El cierre con la más larga “Obrigado” –nueve minutos- aporta su vertiente viajera tropical –Brasil en este caso- en los primeros instantes, para remacharla con un final brumoso con protagonismo de guitarra en la órbita discursiva sideral tipo David Gilmour.

Aunque Molly Tuttle podría pasar el resto de su vida con grabaciones impartiendo clases de bluegrass, no puede evitar explorar las posibilidades del mundo musical que la rodea. Lo que escucha su familia, lo que suena en su entorno y en la radio. Pop. Así que, a salto de mata, entre grabaciones de bluegrass, fabricó unas cuantas canciones más radio friendly que, juntas, han cobrado forma en “So Long Little Miss Sunshine” (Nonesuch 2025).

Producido por Jay Joyce, el disco bucea en pentagramas amables e instrumentación a tono. Pero, incluso buscando la veta pop, no puede evitar algunos tics roots más allá de la fórmula de Nashville. El fingerpicking agilísimo y el pulso frenético de “Everything Burns” declaran orgullosos su procedencia –un puntazo contar en el álbum con la experiencia de Jay Bellrose- e incluso “The Highway Knows” se pasea alegre en un marco académico hasta incendiarse la guitarra en el bridge.. Molly se muestra impetuosa en “Rosalee”, y demuestra saber facturar dream pop con banjo, piano y mandolina, o jugar a ser Taylor Swift –en vez de teclados, rellena con el violín perfectamente su pareja Ketch Secor, de Old Crow Medicine Show- en “No Regrets”.

Al convencimiento de que es un buen disco se llega a la mitad, con un bloque de cuatro canciones –el guiño a Charli XCX en la etérea “I Love It”, el pop tipo Haim de “That´s Gonna Leave A Mark”, una “Easy” entre Fleetwood Mac y Kacey Musgraves, y el brío más heartland de “Summer Of Love”- sentenciando.

Aún recuerdo mi llegada, hace cuarenta años y tres meses, a la playa de Moalboal en Cebú, Filipinas. Allá no se veían más que cuatro cabañas de paja. La electricidad había llegado pero el agua aún no, así que las condiciones eran de lo más precario. Sin embargo, las cabañas estaban ocupadas por turistas escandinavos que, cada mañana, se enfundaban el traje de neopreno y subían a la barca cargados de bombonas de oxígeno para bucear. A cien metros de la arena, el agua celeste-turquesa de pronto se tornaba marino oscuro debido a un desnivel bajo el agua tal vez de mil metros.

Desde entonces he visitado incontables spots de buceo en el mundo y, aunque un problema físico me impide atreverme a practicar buceo o snorkeling, siempre me ha fascinado la experiencia de contemplar la vida bajo el agua (lo más parecido ha sido una excursión en un submarino turístico en la isla San Andrés, Colombia). Y, si fuese posible sumergirse con unos auriculares en la escafandra, indudablemente “Luminescent Creatures” (Hermine 2025), octavo disco de Ichiko Aoba, sonaría allí.

La música de la japonesa es toda una inmersión sonora intentando reflejar la física. Sumirse en el silencio de las aguas, contemplar la fauna y la flora, disfrutar de la semipenumbra rota por el deambular de alguna criatura luminiscente cuando se baja a profundidades considerables. Una banda sonora entre el ambient, el folk y la electrónica relajante, con protagonismo de violines, celo, piano y sintes, describiendo el colmo del sigilo. El flujo amniótico de “Coloratura” y la quietud calmante de su voz (“Aurora”) también permiten variantes con guitarra acústica (“Flag”), aunque la base global sea el piano, tanto orquestado con referencias a su infancia viendo cintas de Disney (“Luciférine”) como impulsor de una cadena en ascenso continuo (se empuja con voces en “Pirsomnia”) o actuando como fuente emisora (“Sonar”) allá donde falta oxígeno mientras su voz acaricia el anhelo de la vida.

La discográfica Longinus está on fire con su sección coreana. Dos discos de Asian Glow el año pasado –uno con Audinjee- – y otros dos de Parannoul -uno junto a Fax Gang-, y recién empezado el año ya publica el primero –de nombre Gyungwon Shin- uno nuevo, “11100011” (Longinus 2025).

Paréntesis de contexto. Como sucede con Japón, una visita a Corea (del Sur) produce sensaciones distintas según la época del viaje. He visitado Japón muy avanzado el otoño y he disfrutado de las tonalidades marrones pero me gustaría volver en primavera para verlo durante el apogeo sakura. En cambio, viajé a Corea en primavera, época de temperatura benigna -el patrón es soleado tres días y lluvioso otros tres-, disfrutado de las bonanzas de Seúl –la librería Starfield, Gangnam con su avenida k-pop, tiendas en Apgujeong, Hongdae y Myeongdong, comida en Bukchon No, y cenar en barbacoa en Ikseon Dong, o en el mercado- pero salí pensando qué sentiría si andase por allí en invierno. Imagino que las sensaciones escuchando este disco resuelven en parte la incógnita.

Shoegaze voluptuoso pero más nítido que Parannoul. La electricidad no aplasta y su torrente, aunque apasionado, se percibe acogedor (“1110011”), con la melodía circular de “Jitnunkebi (Winter´s Song)” dibujando un día invernal soleado y frío en la capital, y trufado de momentos –el final de “Dorothee Thines” por ejemplo- que obligan a respirar profundo para ensanchar las venas y las arterias cuando el corazón se acelera por la emoción.